El mundo de la radio online continúa creciendo y Latinoamérica suma una nueva propuesta con identidad propia. MiRadioLive Radios se presenta como una alternativa regional frente a grandes plataformas internacionales como TuneIn, con una propuesta simple: reunir radios de distintos países latinoamericanos en un portal gratuito, accesible y fácil de utilizar.

Desde miradiolive.com/radios, cualquier persona puede ingresar desde su computadora, tablet o teléfono celular y comenzar a explorar diferentes emisoras sin necesidad de registrarse ni pagar una suscripción.

El objetivo de MiRadioLive es facilitar el encuentro entre las radios y sus oyentes. En lugar de depender exclusivamente de aplicaciones individuales o de buscar cada emisora por separado, el portal funciona como un gran catálogo de radios online donde el usuario puede descubrir nuevos contenidos, escuchar transmisiones en vivo y guardar sus emisoras favoritas.

Uno de los principales diferenciales de la plataforma es su propuesta gratuita y sin publicidad para el oyente, buscando que la experiencia se concentre directamente en el contenido de cada radio.

Una vidriera para las radios de Latinoamérica

MiRadioLive Radios no está pensado únicamente como un reproductor. El proyecto busca convertirse en un punto de encuentro para emisoras de Argentina y otros países de América Latina, permitiendo que radios tradicionales, FM, proyectos digitales y medios independientes tengan un espacio desde donde llegar a nuevas audiencias.

Cada emisora cuenta con su propia presentación dentro del portal, con su nombre, logotipo y acceso a la transmisión en vivo.

Además, el usuario puede buscar radios y descubrir nuevas propuestas, haciendo que pequeñas y medianas emisoras tengan mayores posibilidades de ser encontradas por personas que todavía no las conocen.

Radios instalables directamente en el celular

Otra de las características destacadas del portal es la posibilidad de instalar las radios en el dispositivo.

Desde la ficha de una emisora, el usuario puede pulsar el botón “Instalar” y agregar esa radio a su teléfono como una aplicación independiente, obteniendo un acceso directo desde la pantalla principal.

De esta manera, una persona puede tener instaladas varias radios diferentes y acceder rápidamente a cada una sin tener que buscarlas nuevamente.

La experiencia busca combinar la facilidad de una aplicación móvil con la comodidad de la web.

Una propuesta latinoamericana frente a las grandes plataformas

Durante años, servicios como TuneIn se convirtieron en referentes internacionales para escuchar radio por Internet. MiRadioLive busca desarrollar una propuesta enfocada especialmente en el mercado latinoamericano, poniendo el foco en las emisoras de la región y simplificando la relación entre las radios y sus oyentes.

La plataforma apuesta por una experiencia sencilla: ingresar, buscar una emisora y comenzar a escuchar.

Sin suscripciones obligatorias, sin costos para el oyente y sin publicidad dentro del portal.

Descubrir una radio nueva en segundos

La plataforma también funciona como una herramienta de descubrimiento.

Un visitante puede ingresar buscando una emisora específica, pero también recorrer el catálogo y encontrar radios de diferentes ciudades y países.

Esto convierte a MiRadioLive Radios en una vidriera digital para proyectos que muchas veces cuentan con excelentes contenidos pero no tienen presencia en las grandes plataformas internacionales.

Para las emisoras, significa una nueva posibilidad de ampliar su audiencia. Para los oyentes, significa acceder a una mayor variedad de música, información, entretenimiento y programación local.

Escuchar radio vuelve a ser simple

MiRadioLive plantea una idea sencilla: que escuchar radio online no requiera instalar grandes aplicaciones, crear cuentas o atravesar múltiples pantallas.

El usuario solamente necesita ingresar a:

miradiolive.com/radios

Desde allí puede explorar las emisoras disponibles, seleccionar una radio, comenzar la reproducción y continuar navegando por el portal mientras sigue escuchando.

También puede compartir una emisora con otras personas o instalarla en su teléfono para acceder nuevamente con un solo toque.

Una plataforma que seguirá incorporando emisoras

El proyecto continuará sumando nuevas radios de Latinoamérica, con la intención de construir uno de los principales directorios regionales de emisoras online.

La propuesta de MiRadioLive busca darle mayor protagonismo a las radios latinoamericanas y ofrecerles un espacio moderno donde puedan encontrarse con nuevos oyentes.

MiRadioLive Radios ya está disponible de manera gratuita en:

miradiolive.com/radios

Una nueva forma de descubrir, escuchar e instalar radios de Latinoamérica desde un solo lugar.

La campaña, titulada "Nuestra fórmula es siempre juntos", protagonizada por Luis Miguel, destaca el vínculo profundo que la marca ha construido con México a lo largo de los años.

Hace un siglo comenzó una historia que se ha convertido en un pilar de la vida cotidiana de millones de mexicanos. Coca-Cola, en su centenario, no solo recuerda un aniversario, sino que honra las memorias compartidas, las reuniones familiares y los momentos que han tejido el tejido social del país. 

La campaña busca evocar la esencia de México, recordando la calidez de las sobremesas, la alegría de las comidas compartidas y la fortaleza de una cultura que siempre encuentra motivos para reunirse. Carmen Méndez, Vicepresidenta de Frontline Marketing de The Coca-Cola Company México, comentó: "Cumplir 100 años en México representa mucho más que celebrar un aniversario; es reconocer la relación que hemos construido con millones de personas a lo largo de generaciones". Este homenaje a los encuentros cotidianos resalta la importancia de la comunidad y la conexión entre las personas.

Carlos Alberto "Indio" Solari (1949–2026) fue un legendario músico y compositor argentino, considerado un ícono fundamental de la cultura popular y el rock nacional. Fue la voz líder y principal letrista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y posteriormente lideró su proyecto solista El Mister y Los Marsupiales Extintos junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado

• Los Redonditos de Ricota (1976–2001): Junto al guitarrista Skay Beilinson, fundó una de las bandas más influyentes de Hispanoamérica. Se convirtieron en un fenómeno de culto masivo e independiente, famosos por sus letras poéticas y sus conciertos convertidos en verdaderas "misas". 
• Etapa Solista: Tras la disolución de la banda, formó su propia agrupación y siguió llenando estadios multitudinarios hasta su retiro de los escenarios en 2017.
• Reconocimiento: Su enorme impacto fue celebrado a lo largo de los años, incluyendo el prestigioso Premio Konex de Platino al Mejor Cantante de Rock de la década (2015) y el Doctorado Honoris Causa otorgado por la UBA. 
• Fallecimiento: El 5 de junio de 2026, a sus 77 años y tras una larga lucha contra la enfermedad de Parkinson, falleció en su casa de Parque Leloir, dejando un vacío irremplazable en el arte argentino

https://www.youtube.com/watch?v=Rc99QxvzMZ0

Luciano Pereyra conmovió a la audiencia de La Peña de Morfi al encabezar un emotivo homenaje dedicado a la memoria de Horacio Guarany, en el programa emitido por Telefe. El cantante de Luján asumió el rol de relator en un informe que repasó la vida, la obra y el legado incalculable del recordado referente folklórico.

El tributo coincidió con una fecha de alta carga nostálgica para la música popular, dado que el pasado 15 de mayo el maestro de los maestros hubiera celebrado sus 101 años de vida. Durante la narración del material audiovisual, Pereyra no escatimó en elogios para calificar la personalidad del homenajeado sobre el escenario y fuera de él.

"Explosivo y apasionado", lo definió Luciano con notable emoción, sintetizando en esas palabras la esencia de un artista que marcó a fuego la historia cultural del país. El relato recorrió los hitos más importantes de la carrera de Guarany, rescatando la fuerza de su interpretación que siempre lo unió de manera incondicional con su público.

La historia de la música es tan antigua como la propia humanidad. Mucho antes de la aparición de la escritura, los seres humanos ya utilizaban sonidos, ritmos y cantos para comunicarse, celebrar rituales, expresar emociones y acompañar distintas actividades de la vida cotidiana.

Los primeros indicios musicales se remontan a la prehistoria, cuando el hombre comenzó a descubrir sonidos golpeando piedras, troncos o utilizando huesos y cañas como instrumentos rudimentarios. Estas primeras expresiones musicales estaban relacionadas con ceremonias religiosas, danzas tribales, celebraciones y pedidos a los dioses para obtener buenas cosechas o protección.

Con el avance de las civilizaciones antiguas, la música comenzó a adquirir un rol más importante dentro de la sociedad. En el antiguo Egipto, Grecia y Roma, la música era utilizada en ceremonias religiosas, teatros y festividades. Los griegos consideraban que la música tenía influencia directa sobre las emociones y el comportamiento humano, desarrollando teorías musicales que todavía son estudiadas en la actualidad.

Durante la Edad Media, la música tomó un fuerte carácter religioso en Europa. Surgieron los cantos gregorianos dentro de las iglesias, mientras que los trovadores y juglares recorrían pueblos llevando historias y canciones populares. En esta etapa comenzaron a desarrollarse sistemas de escritura musical que permitieron conservar composiciones a lo largo del tiempo.

El Renacimiento marcó una etapa de gran crecimiento artístico. La música se volvió más compleja y armónica, incorporando múltiples voces e instrumentos. Más adelante, durante el período barroco, aparecieron grandes compositores como Johann Sebastian Bach y Antonio Vivaldi, quienes revolucionaron la composición musical con obras que continúan siendo referencia mundial.

En los siglos XVIII y XIX, la música clásica alcanzó un enorme desarrollo con figuras como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Frédéric Chopin. La música comenzó a presentarse en grandes teatros y salas de conciertos, convirtiéndose también en una forma de entretenimiento para el público.

Con la llegada del siglo XX, la evolución tecnológica transformó completamente la industria musical. Aparecieron nuevos géneros como el jazz, blues, rock, pop, reggae, electrónica y hip hop, permitiendo una enorme diversidad cultural y artística. La radio, el vinilo, el cassette, el CD y posteriormente internet facilitaron que la música pudiera llegar a millones de personas en todo el mundo.

Actualmente, la música forma parte esencial de la vida cotidiana. Gracias a las plataformas digitales y al streaming, artistas independientes pueden compartir sus canciones globalmente sin necesidad de grandes compañías discográficas. Además, la inteligencia artificial y las nuevas tecnologías están comenzando a influir en la creación musical, abriendo un nuevo capítulo en la historia de este arte universal.

https://www.youtube.com/watch?v=pHaR2lDLKb0

La música no solo entretiene: también une culturas, transmite emociones y refleja la evolución de la sociedad a través del tiempo. Desde un tambor prehistórico hasta una canción reproducida en streaming, la música continúa siendo uno de los lenguajes más poderosos de la humanidad

Su impacto sigue vigente gracias a la extensión de sus presentaciones y su constante presencia en las búsquedas globales de Spotify y plataformas digitales. En el plano de las giras, se espera que este año sea uno de los más activos para la industria, compartiendo cartelera global con artistas como Ariana Grande y Harry Styles.

• En Spotify y Apple Music: Sigue rompiendo récords de reproducciones simultáneas gracias a su capacidad para movilizar a su "fandom" (los Swifties) mediante pistas ocultas (easter eggs) en sus redes sociales.
• Contenido exclusivo: Su estrategia de lanzar versiones "Deluxe" o "Taylor’s Versions" mantiene su catálogo antiguo en constante rotación, compitiendo contra sus propios lanzamientos nuevos en las listas de Billboard.

No imagino a alguna persona que hoy vive o tiene intereses en Brasil que no tome sus decisiones sobre la base de que, desde el 1° de enero de 2027, dicho país será presidido por Flavio Bolsonaro.

En parte, por los resultados de la primera vuelta, celebrada el domingo pasado, en la cual Bolsonaro obtuvo 47,05% de los votos, y Lula 45,14%; y en parte, porque los votantes de los candidatos a presidente que se ubicaron en los siguientes puestos se inclinarán más por Bolsonaro que por Lula. La segunda vuelta ocurrirá el 25 de octubre próximo.

¿Qué hará Bolsonaro en materia económica a partir de principios del año próximo? Conjeturas hay muchas, información específica probablemente ninguna. Lógico, porque el arranque de una política económica depende de ideas generales, de la personalidad del presidente y su equipo, pero además de las circunstancias, que incluyen la herencia que recibirá. Pero, error tipo I, error tipo II, es difícil imaginar que, en los últimos meses de su presidencia, Lula tenga que enfrentar alguna corrida cambiaria o bancaria, descontando lo que eventualmente pueda llegar a hacer su sucesor.

Javier Milei y su entorno sostienen la euforia por el triunfo de Flavio Bolsonaro en la primera vuelta de las elecciones brasileñas. Es una algarabía justificada por varias razones. Una de ellas es que las relaciones exteriores han dejado de ser relaciones entre Estados para convertirse en relaciones de facción. La defensa de un interés nacional queda eclipsada por la defensa del interés partidario. Milei celebra, entonces, un nuevo avance de la ultraderecha. Nada menos que en el mayor país de una región que se cubre con una ola de ese signo.

El Presidente tiene, además, una motivación personal para aplaudir cómo votaron los brasileños el último domingo. Él se involucró muchísimo en la campaña. Hostigó a Luiz Inacio “Lula” da Silva y al juez Alexandre de Moraes, que se convirtió después en protagonista central de la contienda. Puede, entonces, repetir, como dijo Donald Trump semanas atrás, que “los candidatos que yo apoyo siempre ganan”. Trump también respaldó a Bolsonaro.

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A través de una historia en la plataforma Instagram, el mandatario apuntó contra el actual presidente de Brasil poco después de su derrota en la primera vuelta electoral. El líder del Partido de los Trabajadores (PT) se verá las caras con Flavio Bolsonaro en el balotaje del próximo domingo 25 de octubre.

“Lula Ladrón”, escribió Milei junto a un posteo del Instituto Cato, un think-tank con sede en Washington. La publicación reflotaba declaraciones de Ian Vásquez, vicepresidente de estudios internacionales de la organización, quien aseguró: “Lo que ha hecho que la gente rechace a Lula y a su partido es, en gran medida, la corrupción”.

La última vez que el jefe de Estado había utilizado dicho calificativo para criticar al mandatario suramericano se retrotrae al mes de agosto: “Es un ladrón, un corrupto, no es inocente. Lo liberaron por una falla en el procedimiento”.

En un intento por avanzar con el proyecto de Ley de Defensa de la Soberanía Nacional de Malvinas, la secretaria de Legal y Técnica de la Presidencia, María Ibarzábal Murphy, desembarcó este miércoles en el Congreso para defender la iniciativa oficialista ante los diputados en un plenario de comisiones. La presencia de la funcionaria se contrapone a la ausencia de otros miembros del Gobierno requeridos por los legisladores, como el canciller Pablo Quirno.

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La Corte Suprema apuesta a dictar cuanto antes un nuevo fallo sobre la ley de tierras; para eso, abrevió los plazos legales en el caso que ahora tiene a estudio y, en 24 horas, podría quedar en condiciones de dar a conocer una decisión.

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Javier Milei y su entorno sostienen la euforia por el triunfo de Flavio Bolsonaro en la primera vuelta de las elecciones brasileñas. Es una algarabía justificada por varias razones. Una de ellas es que las relaciones exteriores han dejado de ser relaciones entre Estados para convertirse en relaciones de facción. La defensa de un interés nacional queda eclipsada por la defensa del interés partidario. Milei celebra, entonces, un nuevo avance de la ultraderecha. Nada menos que en el mayor país de una región que se cubre con una ola de ese signo.

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Envalentonado por el triunfo de Flavio Bolsonaro en la primera vuelta de las elecciones presidenciales en Brasil, y por el continuo crecimiento de la “ola azul”, de la que se considera precursor, el presidente Javier Milei viajará la semana próxima a Estados Unidos. El viaje, que durará tres días y tendrá a la ciudad de Washington como sede de sus actividades y compromisos, servirá para escenificar un nuevo respaldo para el presidente Donald Trump, tres semanas antes de los comicios de medio término en ese país, que definirán el último tramo de la administración republicana.

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Antes de cumplir 25 años, Josh Hartnett se perfilaba como una de las grandes apuestas de Hollywood. Había sido el chico irresistible de Las vírgenes suicidas, un protagonista de Pearl Harbor y un soldado en La caída del halcón negro. La industria veía a su próxima estrella, pero él todavía estaba tratando de entender quién quería ser.

Por estos días, vuelve a ser difícil no cruzarse con él. Verity: La sombra de un engaño llegó a los cines argentinos el jueves 1° de octubre y Bajo la superficie, la miniserie de Netflix que protagoniza, se estrena este jueves 8 de octubre. Dos lanzamientos que marcan el regreso de un actor que aprendió a elegir cuánto espacio darle al trabajo y cuánto a su intimidad.

“Estaba en pausa en la mente de la gente, supongo”, dijo en una entrevista que salió publicada en la revista People. Sin embargo, el artista aclaró que -por decisión personal- siguió actuando durante los años de menor exposición, pero en proyectos más pequeños.

Su debut en cine fue en 1998 como el hijo de Jamie Lee Curtis en Halloween H20: 20 años después. Luego, vinieron Aulas peligrosas y Las vírgenes suicidas, dos películas que lo catapultaron a la fama. Llegaron las superproducciones, las portadas y las comparaciones con otras estrellas. De la mano de sus papeles en Pearl Harbor y La caída del halcón negro, Hartnett se convirtió definitivamente en el galán del momento, pero él quería probar otros personajes. Las ofertas, en cambio, insistían con el mismo tipo de protagonistas que ya había interpretado.

“Yo no quería eso para mí”

“No quería que los demás me definieran”, explicó en 2024. La frase ayuda a entender sus decisiones: mientras la industria buscaba repetir una fórmula, él intentaba averiguar qué le interesaba hacer. Elegir películas más pequeñas tenía un costo profesional, pero también le permitía alejarse del foco mediático.

“Siempre buscaba algo que se alejase de lo que la gente esperaba de mí. Reconozco la oportunidad perdida de trabajar con un tipo como Christopher [Nolan] y he descubierto que, por mucho que te preocupe centrar tu carrera en cosas que te interesen, ya no creo que eso sea lo más importante. Se trata de encontrar personas en las que confíes de verdad”, se sinceró en diálogo con The Guardian.

También había razones para preocuparse fuera del set. Hartnett contó que sufría acoso y que algunas personas se presentaban en su casa y violaban su intimidad. Recordó incluso a un hombre que llegó armado a un estreno y decía ser su padre. La fama había invadido su vida de una manera difícil de manejar. Tomar distancia le permitió recuperar algo que los grandes papeles no podían garantizarle: tranquilidad.

Entre estas drásticas decisiones, también sorprendió su elección de abandonar Hollywood y mudarse a Hampshire para vivir rodeado de naturaleza y animales junto a su familia: la actriz Tamsin Egerton y sus cuatro hijos. En distintas oportunidades se encargó de dejar en claro que no desea para ellos la exposición que él conoció de joven.

“Simplemente, no quería que el trabajo devorase mi vida. En aquel momento había una idea de que tenías que darlo todo, y si viste lo que les pasó a algunas personas por aquel entonces... Acabaron destrozadas. Yo no quería eso para mí”, aseguró mientras subrayó que “los medios crearon una historia muy simple de que yo estaba loco” por alejarse de la meca del cine en pleno éxito.

En una entrevista publicada esta semana en Vanity Fair, habló de su relación actual con la exposición y aseguró que ya no necesita que lo que se escribe sobre él defina su identidad. Y además, reveló que sigue eligiendo vivir lejos del centro de la industria, aun cuando la distancia pueda costarle alguna oportunidad laboral.

Una segunda oportunidad

Afortunadamente, Hartnett no tuvo que lamentarse demasiado la decisión de haberle dicho que no a Nolan ya que la vida le dio revancha. Es que el actor pudo trabajar con el director británico en Oppenheimer, un film que no solo batió récords de público, sino que se llevó todos los premios, incluido el Oscar.

Ahora, se abre una nueva etapa para la vida profesional de Hartnett, con el tipo de papeles con el que se siente cómodo. En Verity..., dirigida por Michael Showalter y basada en la novela de Colleen Hoover, comparte elenco con Anne Hathaway y Dakota Johnson e interpreta a Jeremy Crawford, el marido de una escritora que necesita que otra autora continúe el trabajo de su mujer. Un manuscrito abre una trama de deseo y sospechas en la que resulta difícil saber cuánto confiar en él.

En Bajo la superficie interpreta a Calvin Penney, un pescador de Terranova marcado por la misteriosa muerte de su padre. Una criatura marina amenaza al pueblo y lo obliga a proteger a su familia y a su comunidad. La serie tiene seis episodios, reúne también a Mackenzie Davis y Charlie Heaton y cuenta con Hartnett como productor ejecutivo. Con dos estrenos casi simultáneos, el actor vuelve a posicionarse en el centro de la escena, algo que alguna vez le resultó difícil de sostener.

De nombre científico Artemisia absinthium, el ajenjo es una planta herbácea medicinal perteneciente a la familia de las asteráceas, nativa de regiones templadas de Europa, Asia y el norte de África. También recibe nombres como asensio, ajorizo, artemisia amarga, hierba maestra y hierba santa. Se caracteriza por su inconfundible sabor amargo y por haber sido utilizada desde la Antigüedad -y hasta la actualidad- como planta medicinal para tratar trastornos gastrointestinales, depurar el organismo y aumentar el apetito.

Existen referencias a su empleo en el antiguo Egipto y posteriormente en la medicina griega, donde la apodaban “madre de todas las hierbas”. Su presencia incluso llegó al ámbito literario: William Shakespeare lo menciona en Romeo y Julieta y León Tolstói hace referencia al ajenjo silvestre en Guerra y paz. En parte, su historia se vincula con la elaboración del célebre licor de ajenjo o absenta y del vermú (el nombre de esta bebida proviene de cómo se le dice a la planta en alemán, Wermutkraut).

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Infusionada o añadida al mate

María Jimena Lannutti, especialista en Herbología y dueña de la herboristería Sé Natural, explica que para sacar provecho de sus propiedades medicinales se emplean sus hojas y tallos. “El uso más popular es la infusión, especialmente en el mate amargo”, cuenta. A la par, añade que su preparación precisa 2 gramos de ajenjo (media cuchara sopera) y que lo ideal es beberlo luego de las comidas. Para que sus principios activos no disminuyan, la especialista sugiere conservar la hierba en un lugar que no haya humedad ni le dé luz/sol.

Respecto de las contraindicaciones de su consumo, Lanutti advierte sobre su consumo en mujeres embarazadas y/o en período de lactancia. Tampoco deben ingerirla personas con diagnóstico de epilepsia.

Para qué sirve el ajenjo

Más allá de su sabor intensamente amargo y de su uso en infusiones herbales, el ajenjo es una planta a la que se le atribuyen distintas propiedades vinculadas principalmente con el aparato digestivo. Desde el alivio de algunas molestias gastrointestinales hasta su posible efecto sobre el apetito y la secreción biliar, estos son algunos de los usos que se le reconocen, aunque, como ya se mencionó previamente, su consumo no está indicado para todas las personas.

1. Mejora la digestión

Una de las propiedades más populares que se le atribuye es su acción sobre el aparato digestivo. Florencia Fasanella, fitoterapeuta y autora de La naturaleza es tu farmacia, escribe en su libro que el consumo de ajenjo ayuda a mejorar cuadros de dispepsia, acidez, gastritis y espasmos gastrointestinales.

1. Despierta el apetito

A la planta de ajenjo se la considera aperitiva, es decir, que puede favorecer el apetito. Esto, según desarrolla Lanutti, se debe a que sus principios amargos estimulan los jugos gástricos, lo que favorecería la digestión y podría resultar especialmente útil en personas que suelen presentar falta de apetito.

1. Estimula el hígado

También se encuentra su acción colerética, vinculada con el aumento de la secreción de bilis. No obstante, la Agencia Europea de Medicamentos (EMA) establece que los preparados medicinales de ajenjo no deben utilizarse en personas con obstrucción de las vías biliares, colangitis o enfermedad hepática.

A más de una década de la tragedia de Once, Paolo Menghini, padre de Lucas Menghini Rey, se sienta frente a Astrid Pikielny en el podcast Duelos para reflexionar sobre el peso de las ausencias y la constante reinvención de la vida. Para Menghini, perder a un hijo no representa una simple anécdota, sino un sismo que redefine la existencia misma. “Haber perdido un hijo es un sismo; hace que te obligues a revisar todo lo que hiciste para ver cómo avanzar”, señala. Antes de febrero de 2012, su vida transcurría con normalidad entre su trabajo en la televisión pública, la música y sus vínculos familiares, pero aquel suceso transformó radicalmente su identidad.

Al recordar el impacto del dolor, Menghini explica que la exposición pública derivada de la búsqueda de justicia funcionó como un motor, aunque subraya que el verdadero sostén radicó en su círculo íntimo. “En ese momento, yo me apoyo en cuatro mujeres de distintas edades: mi mamá, mi hija, Carolina y Paz”, detalla. Esta red de contención fue vital para atravesar los años más crudos de la lucha judicial. Sobre la convivencia con el duelo, el entrevistado aclara que no existen recetas ni protocolos: “El duelo es un enfrentamiento mano a mano con dos criminales a sangre fría: la tristeza y el dolor, que no son lo mismo”.

El paso del tiempo no ha significado una cura definitiva, sino una manera diferente de habitar la ausencia. Ante la consulta sobre cómo mantiene presente a Lucas, Menghini destaca la importancia de resignificar los vínculos, encontrando consuelo en la música que ahora comparte con su nieta Paz. “La tristeza de haberlo perdido no te debe hacer olvidar la alegría de haberlo tenido”, recuerda como una enseñanza fundamental que recibió de otros padres en circunstancias similares. Esta perspectiva le permite abordar su cotidianeidad sin que la tragedia oscurezca el presente.

Consultado sobre la persistencia de la lucha por la verdad, Menghini enfatiza que el compromiso no ha claudicado, aunque ahora se integra con una vida que busca retomar las pequeñas trivialidades. Para él, es imperativo no ser absorbido por la desazón. “Nunca te olvides que la lucha que se pierde es la lucha que se abandona”, advierte, resaltando la importancia de la resiliencia en la vida diaria. En el cierre de su reflexión, Paolo Menghini envía un mensaje de esperanza para quienes atraviesan pérdidas irreparables, insistiendo en que, aunque el proceso sea inabarcable y cotidiano, la resiliencia es un homenaje necesario: “Siempre hay que pensar eso, que quien se fue nos quiere ver de pie”.

En las noches de tormenta de mi infancia, con un declarado miedo a los truenos, me quedaba inmóvil en la cama viendo los relámpagos que iluminaban el cielo y la manera en la que mi cuarto se encendía repentinamente, como si alguien hubiese apretado por un segundo la tecla de la luz.

Sabía dos cosas: que los rayos y relámpagos siempre precedían al trueno y que la distancia a la que se encontraba la tormenta podía calcularse. Aunque sucediesen exactamente en el mismo instante, por la diferencia entre las velocidades a las que viajan la luz y el sonido, veía el destello antes de escuchar el estruendo. El sonido viaja a unos 343 metros por segundo, mientras que la luz lo hace a casi 300.000 kilómetros por segundo. Desde mi cama tenía que contar los segundos que pasaban entre el relámpago y el trueno y dividir ese número por tres: ahí sabría a cuántos kilómetros estaba la tormenta. Pero entre el pavor que me provocaba el estruendo y mi inhabilidad natural para cualquier cálculo matemático, solo atinaba a taparme ojos y orejas, esperando que pasara o que, con suerte, me ganase el sueño.

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Me gustaban, sin embargo, esos datos que son mitad ciencia y mitad creencia popular nacida de la observación. Alguna vez alguien me había contado algo acerca de las gotas de lluvia que forman burbujas cuando caen sobre los charcos. Así de impreciso era el recuerdo. ¿Anunciaban la duración del aguacero? ¿La intensidad del chaparrón? Incapaz de resistirme a esos retazos de memoria infantil, me obligué a rastrear la explicación física y encontré que “el impacto frecuente de gotas grandes crea las condiciones ideales para que se formen coronas de agua, se eleven y se cierren formando cúpulas de aire”; pero poco y nada hay documentado sobre su valor como presagio meteorológico.

Hace apenas unos días, en las ruinas monumentales de Villa Adriana —la residencia de descanso del emperador Adriano en las afueras de Roma—, los arqueólogos desenterraron un secreto que llevaba casi dos mil años sepultado. En un pequeño recinto cuadrangular, todavía en su posición original, hallaron una placa de mármol de apenas 40 por 35 centímetros con dos palabras grabadas: FVLGVR SVBMANIVM. El fulgur (rayo) de Summano, la divinidad a la que los romanos atribuían los rayos nocturnos, mientras que los diurnos correspondían al dominio de Júpiter.

Para los romanos, un rayo no terminaba cuando se extinguía la luz. Si tocaba tierra, dejaba una herida sagrada que debía ser atendida, interpretada y, en cierto modo, sepultada, porque ese pedazo de mundo había sido rozado por los dioses.

El procedimiento seguía con rigor la disciplina etrusca, el compendio de preceptos adivinatorios custodiado por los arúspices y luego adoptado por Roma. Donde caía la descarga, se convocaba a los expertos para purificar el terreno: se cavaba un pozo ritual, se recogían minuciosamente los restos calcinados de la tierra vitrificada —la fulgurita—, los fragmentos de roca o las astillas de los árboles heridos, y se enterraban simulando una tumba. A menudo se señalaba el lugar con un altar o una losa conmemorativa bajo la fórmula Fulgur Conditum (el rayo enterrado).

Luego se sacrificaba una oveja de dos años —una bidens, de donde proviene el término bidental con que se designaba a estos recintos— y se levantaba alrededor un pequeño muro circular a cielo abierto, sin techo, para que el punto permaneciera en perpetua comunión con el cielo del que había bajado el fuego. La caída de un rayo no era considerada un simple fenómeno atmosférico: era la voz directa, fulminante e implacable de los dioses. Ese fragmento de tierra dejaba de pertenecer a los hombres y quedaba consagrado para siempre.

Ese rincón de Villa Adriana revela una paradoja fascinante sobre los límites del poder: el hombre más influyente del mundo occidental, el emperador que movía legiones a su antojo, trazaba fronteras y levantaba palacios a la medida de su ambición cosmopolita, no podía modificar ni un solo metro cuadrado de su propio jardín si una tormenta decidía marcarlo. No le quedaba más remedio que cederle el paso al capricho de las nubes.

En mi infancia intentaba domar el espanto contando segundos entre el destello y el trueno, calculando distancias en la penumbra para convencerme de que el peligro aún estaba lejos. Adriano y sus sacerdotes preferían domesticar el rayo construyéndole una pequeña sepultura de piedra. Al final, no somos tan distintos: frente al relámpago en mitad de la noche, seguimos inventando ceremonias —sean fórmulas de física elemental o ritos arcaicos de cal y mármol— para no sentirnos tan desamparados bajo la tormenta.

¿Habrán intuido los romanos un simbolismo más hondo? Nunca faltarán los rayos que caigan de noche, sin aviso ni tregua. Quizá madurar no sea aprender a esquivar las tormentas, sino dominar el viejo arte romano de sepultar el rayo: reconocer el fuego, honrar la cicatriz y dejarla abierta al cielo para no olvidar jamás de qué materia estamos hechos.

Más de la mitad de los adolescentes argentinos usa la Inteligencia Artificial (IA) casi a diario. ¿Para qué la utilizan?

En el “mejor” de los casos, usan el ChatGPT o Gemini para simplificar tareas escolares: resumir textos largos, pedirle a la IA que elabore informes o que comente un libro. En estos casos, los adolescentes usan la IA para poder terminar la tarea de la escuela en pocos minutos, lo antes posible. Y este es el uso menos grave que hacen los adolescentes de la IA.

En el “peor” de los casos, somos testigos de adolescentes que usan la IA para crear contenidos falsos -textos o videos- que generan un fuerte daño emocional en la víctima. Un profundo agravamiento del bullying, que ya era preocupante antes de la IA.

La pregunta más importante es: ¿Por qué lo hacen? ¿Será que los únicos usos posibles de la IA entre los adolescentes son para evadir la tarea, evitar el esfuerzo o promover el perjuicio emocional del otro? ¿Será mejor prohibir la IA en la escuela y terminar así, con estos problemas?

La respuesta a ambas preguntas es NO.

Porque el desafío, antes que prohibir es enseñar a pensar. Prohibir puede hacer creer que el problema desaparece, cuando en realidad sigue existiendo. Para que los usos peligrosos de la IA no sucedan, los estudiantes necesitan comprender los riesgos que la IA puede ocasionar, y lo que implican para ellos y para los demás.

Si los gobiernos -en todo el mundo- continúan ponderando solamente los beneficios de la IA, y no forman a los docentes para que enseñen acerca de los usos no éticos que la IA puede generar, seguiremos viendo alumnos que entregan un examen escrito completamente por la IA y a estudiantes que crean videos falsos sin pensar en el otro.

Los chicos, por su edad, cuentan con un saber instrumental, que les permite manejar la herramienta. Pero la actitud crítica que necesitan para ser ciudadanos digitales que piensan las tecnologías antes de usarlas, se aprende. Queremos que los adolescentes usen la IA, siempre que comprendan cómo funciona, cuáles son los principios que la rigen y qué límites debemos poner a sus usos.

Más tecnología no se traduce automáticamente en más aprendizaje, ni en mejor educación. La variable más importante será siempre cómo se la acompaña, es decir cuáles son las competencias y habilidades que se buscan fortalecer.

Responsabilizar a los estudiantes es desresponsabilizar al Estado. Porque en definitiva, la política pública es la única que puede evitar los usos de la IA entre los adolescentes, que nadie quiere.

La autora es asesora principal de Unesco en ciudadanía digital

Asombra la facturación de ese lugar al que tanta gente pugna por entrar: más de 15 millones de euros anuales. Máxime porque se trata tan solo de una librería, pero no cualquiera porque está catalogada como una de las más bellas del mundo. Se llama Lello y está en Porto, la segunda ciudad en importancia de Portugal.

¿Más rarezas? Ese montón de plata que recauda por año lo hace ¡sin vender un solo libro! Es lo que junta tan solo por cobrar entrada a los curiosos que quieren conocerla e “instagramear” lo más posible su paso por ahí. Es que no hay manera de no llevarse bellas imágenes de su arquitectura neogótica y Art Nouveau. Simula estar toda revestida en madera labrada, aunque en realidad se trata de yeso pintado y trabajado por fabulosos artesanos. Hay libros para todos los gustos e idiomas.

Su fama deviene de que corrió la bola de que la autora de Harry Potter (que vivió en Porto) inspiró la ambientación de saga, cosa que desmintió, aunque los estudiantes universitarios que transitan por esa ciudad también lleven atuendos similares a los de Harry, Ron y Hermione.

La entrada no es barata: casi 16 euros, pero es reembolsable si se compra un libro.

En una soleada tarde de primavera, todo transcurre con calma y tranquilidad por las calles del barrio porteño de Núñez. Y es ese mismo espíritu apacible el que reina dentro de Robledo Sound Machine, la antigua casona que desde hace décadas funciona como búnker, sala de ensayo, museo (con fotografías, afiches y premios, entre otros artículos vinculados a su historia) y también como estudio de grabación y punto de reunión de Los Pericos.

Allí es precisamente donde se produce el encuentro de LA NACIÓN con Juanchi Baleirón (voz y guitarra) y Ariel “Topo” Raiman (batería), miembros fundadores del grupo, quienes ultiman detalles de su inminente gira por distintos puntos del país y Latinoamérica pero cuyo epicentro será el concierto que el 22 de octubre ofrecerán en el teatro Gran Rex con motivo de la presentación de su más reciente álbum.

En Inmortal, tal su título, las 10 canciones que lo componen giran en torno al concepto del paso del tiempo, la madurez, el crecimiento y la trascendencia más allá de los años transcurridos, todos tópicos que en algún momento de la vida suelen aflorar. Y más, tratándose de una banda cercana a las cuatro décadas de carrera.

“Una vez que terminamos los temas, encontramos que había un hilo conductor que podría llegar a tener que ver con la trascendencia y la inmortalidad. Justamente, el primer corte del disco fue ‘Inmortal’. Y si a eso le sumamos que a fines de este año vamos a cumplir cuarenta ininterrumpidos como banda es como sentirnos un poco inmortales. Además, creemos que cuando no estemos más acá, la música sí va a seguir permaneciendo”, explica Juanchi Baleirón mientras Ariel “Topo” Raiman agrega: “A partir de allí, se nos ocurrió sumar lo de la cápsula del tiempo. Se trata de una serie de cajas que contienen diez objetos, uno por cada canción del disco, más un QR, que las enterramos en diferentes lugares, como Salta, Mendoza, Córdoba y Guadalajara, con la idea de que quizás alguien en el futuro las descubra y pueda saber cómo sonaban Los Pericos en 2026”.

Con Willy Valentinis (guitarra), Diego “Chapa” Blanco (teclados), Gastón Goncálvez (bajo) y Marcelo Blanco (percusión) completando la formación, el grupo construyó una trayectoria que conoció el éxito repentino allá por 1987 a través de Los Pericos, su ópera prima, y sobre todo a partir de dos hits instantáneos: “El ritual de la banana” y “Jamaica Reggae”. Luego sobrevinieron más discos - con Big Yuyo (1992), Pampas Reggae (1994), Yerba buena (1996) y Mystic Love (1998) entre los más destacados -, viajes, giras, distinciones y el reconocimiento tanto local como internacional que los erigió como uno de los pioneros del reggae en Argentina y en gran parte de América Latina.

Por otro lado, también experimentaron los lógicos altibajos y vaivenes que atraviesan la mayoría de las agrupaciones, sufrieron algunos cambios de integrantes, sobrevivieron con holgura y entereza a la salida de Bahiano (voz) en 2004 e incluso lograron sobreponerse a un momento muy duro, la muerte del saxofonista Horacio Avendaño, ocurrida en 2013.

Sin embargo, Los Pericos continúan en pie no sólo por la trascendencia de sus canciones - que alcanzan a las nuevas generaciones - sino porque siempre priorizaron la idea primal de considerarse un grupo de amigos antes que una mera banda musical. Ese parece ser entonces el pilar fundamental sobre el que se apoyan los cimientos de un sexteto que vive y disfruta del presente y que nació de la sólida amistad forjada entre Juanchi y el Topo a principios de la década del ochenta.

“Empezamos siendo un grupo de amigos unidos por la música y eso se mantiene hasta el presente. Todos los que con el tiempo se fueron acercando a ese grupo también se convirtieron en amigos y terminamos tocando juntos. Después, el proyecto creció, se profesionalizó y comenzamos a tener otras responsabilidades. Pero nunca dejó de ser esa misma idea básica: la de un grupo de amigos que se divierte tocando, que siempre se sintió identificado con lo que hacía y que nunca se apegó al camino fácil de repetir una fórmula probada. Así nos desarrollamos como banda y evolucionamos independientemente de los resultados”, detalla Raiman.

-A propósito de desarrollarse como banda, la historia de Los Pericos comenzó aquí, en esta casa. ¿Qué recuerdan de esos inicios?

Baleirón: -Sí, todo comenzó en esta casa y exactamente en este mismo espacio donde estamos conversando ahora. El Topo y yo nos conocimos en 1982 en la puerta del colegio Julio Argentino Roca de Belgrano. Pero todo se dio de pura casualidad. Yo estaba en la entrada de esa escuela esperando a un amigo que al final nunca llegó. En una charla informal con otros amigos, comenté al pasar que estaba buscando un baterista para mi banda. En eso, un señor que estaba dentro de un auto estacionado en ese mismo lugar, escuchó la conversación y me dijo que su hijo tocaba la batería. Ese señor resultó ser el padre del Topo y así comenzó la historia. En ese momento, el Topo tenía 12 años y yo 16, pero a pesar de la diferencia de edad, nos pasamos los teléfonos, nos reunimos para tocar y la cosa fue fluyendo.

Raiman: -Empezamos haciendo temas de rock nacional, como “Vasudeva”, un reggae de Gustavo Santaolalla. En aquel entonces, el cantante de la banda era Javier Doberti, que luego terminó trabajando en la CNN. Más tarde incursionamos en el heavy metal, después en la new wave y allí se sumaron Leo Satragno, uno de los hijos de Pinky, el bajista Hernán Gravelloni y Danny Boy en la voz.

-¿Y cuándo fue que descubrieron el reggae?

Baleirón: -Al principio, en nuestra ignorancia adolescente veíamos a The Police, Madness, The Clash y al propio Bob Marley como parte de la new wave. Pero después nos fuimos interiorizando mucho más en el reggae, escuchando discos esenciales: descubrimos a UB 40 y Paralamas y todo decantó hacia ese lado. Yo tenía un libro llamado Reggae International que era una especie de biblia del género, con mucha información e historia de Jamaica. Eso también nos ayudó mucho a entender de qué iba el asunto.

Raiman: -En esa época, tras algunos cambios de integrantes y ya con Bahiano como cantante, fue cuando mi viejo nos vio ensayando en este mismo lugar y nos dijo que si queríamos seguir adelante con la banda debíamos subir un escalón. Y así fue que grabamos nuestro primer demo, con los temas “Jamaica Reggae” y “El ritual de la banana”. Lo llevamos a Feedback, el programa que conducían Mario Pergolini y Ari Paluch en la Rock & Pop, y la cosa explotó. La gente empezó a llamar a la radio pidiendo nuestros temas y el resto es historia conocida.

-¿Cómo lograron asimilar la súbita exposición que obtuvieron ya desde ese primer demo y que luego se amplificó con la salida del álbum debut?

Raiman: -Éramos un grupo de pendejos con ganas de que eso pase y realmente estaba sucediendo. Todo era pura alegría y una diversión permanente. Pero si bien obtuvimos un éxito casi instantáneo, supimos manejarlo, no nos volvimos locos y fuimos adaptando nuestra vida al devenir de la banda.

-Aunque al mismo tiempo recibían muchas críticas por cantar en inglés...

Baleirón: - ¡Uf!, nos dieron con un caño por eso. Pero viéndolo a la distancia, lo entendemos perfectamente. La generación de músicos anterior a la nuestra, que hacía una música más seria si se quiere, nos veía como un grupo de diez pibes que habían alcanzado la fama saltando y cantando en un inglés medio improvisado. Además, como hacíamos reggae viniendo de Belgrano y de Barrio Norte y no éramos rastas del conurbano, nos convertimos en un blanco fácil para las críticas. En un primer momento, esa situación nos molestó mucho pero después nos relajamos y seguimos adelante. Además, uno de nuestros máximos referentes era Sumo, donde Luca Prodan cantaba en inglés. Entonces, si él lo hacía, ¿por qué nosotros no?

-¿De qué manera superaron el alejamiento de Bahiano y algunos años después la pérdida de Horacio Avendaño, considerando el núcleo firme que siempre demostraron tener como grupo?

Raiman: -En realidad, son situaciones diferentes para las cuales nunca estás preparado. Son cosas que te pasan y ahí tenés que improvisar en base a las herramientas que te da la vida. Aunque en ambos casos estuvimos muy unidos: cuando se fue Bahiano todo era muy extraño pero sabíamos firmemente que íbamos a seguir como grupo. Y cuando perdimos a Horacio estuvimos muy tristes porque se había ido uno de nosotros. Sin embargo, de a poco empezamos a zapar y a hacer música como una especie de terapia. Y eso, de alguna manera, fue un alivio.

-¿Desde un principio se tomó la decisión de que vos, Juanchi, asumieras el rol de cantante o se barajaron otras variantes?

Baleirón: -No, primeramente pensamos en un montón de opciones. En un momento tuvimos la idea muy firme de sumar al venezolano Blanquito Man, el cantante de King Changó, que vivía en Nueva York. Mantuvimos un par de charlas con él pero al final no se dio. En el mientras tanto, durante los ensayos yo había empezado a cantar de un modo informal sólo porque era el que hacía los coros. Un día nos llamaron para dar un show en Perú y cuando les dijimos que Bahiano ya no estaba en el grupo, a ellos no les importó y nos contrataron igual. Esa fue la señal que nos dio el impulso y la confianza necesarias para seguir adelante conmigo en la voz.

-¿Existe la posibilidad remota de volver a presentarse al menos una vez en vivo junto a Bahiano, teniendo en cuenta que ya pasaron más de 20 años de su alejamiento?

Baleirón: -Por ahora no hay nada pautado en ese sentido. Entre nosotros está todo más que bien. Pero él está con su proyecto y nosotros estamos muy cómodos y conformes haciendo lo muestro. De todas maneras, nunca se sabe. Quizás un día nos encontramos y surge hacer algo juntos. No tenemos ningún tipo de bronca ni resentimiento para con él. Es más, Bahiano no sólo le dio mucho a Pericos, ya sea como frontman o como compositor, sino que siempre se comprometió a full con el proyecto. Preferimos quedarnos con esa parte y dejar atrás las diferencias.

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